Enrique: Imposible comenzar una conversación sobre color, sin partir por la influencia de Josef Albers en su obra…

Eduardo Vilches: Influyó muchísimo. Sin embargo, el mayor mito es que yo fui alumno de Albers. Nunca lo fui. En 1953, vino Albers a Chile invitado por el arquitecto Sergio Larraín a dar clases de Color en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica. Más tarde en 1959, fue nuevamente invitado a dar clases en la entonces recien creada Escuela de Arte UC, pero Albers no pudo venir, y en su lugar vino Sewell Sillman, que era su brazo derecho en Yale. Sillman enseñó el curso de color de Albers durante su estada en Chile, al que pude asistir y me interesó mucho, pasaba obsesionado el día y la noche haciendo los ejercicios. Luego en 1960, me fui becado a Yale, al Departamento de Arte, donde asistí nuevamente al curso de color, dictado por Sillman que tenía un peculiar sentido del humor. Con Albers conversé solo una vez y en esa oportunidad me dijo muy serio y cortante “usted aquí puede aprender mucho, si quiere”.

Tomás: A menudo se relaciona su obra con la de Robert Motherwell o la de Franz Kline o Mark Rothko. ¿Qué influencias tiene su obra a la hora de trabajar, del punto de vista del color?

Yo era un joven, a principio de los sesenta, en Nueva York. En las galerías de arte estaba pasando todo, y me dedicaba a estudiar, conocer y visitar las galerías. En ellas estaban las obras de Pollock, Kline, De Kooning, Guston y Rothko, entre varios otros artistas del momento. Una vez estaba viendo una gran exposición de Rothko en el MOMA, y a unos cuantos metros veo al mismísimo artista en persona. Se acercó y me preguntó que me parecía su obra, ahí se me entró el habla, pero me armé de valor y le dí mi opinión. Más allá de las anécdotas, a mí el color me permitió darme cuenta que lo mío era el blanco y negro. Mi obra es de formas, gráfica, no es del color, salvo algunas excepciones.

Por ejemplo, cuando empecé con la fotografía hice, un trabajo que era sobre la realidad y la realidad tiene colores. Era la época de la dictadura, y pensaba como expresar en forma creativa lo que sucedía en ese momento en el país. No se sabía con certeza los límites de lo permisible, más fuerte que la censura, era la autocensura. Esta situación la quise reflejar a través de la fotografía para lo cual registré una ventana de mi casa, desde donde se ve una plaza. La fotografié durante 2 años, a diferentes horas del día y desde el mismo punto. Yo metido dentro de mi casa, mirando a traves de la ventana. Afuera pasaba el tiempo y sucedían cosas, por fuera pasaban los años.

Luego expuse siete de estas fotografías, ampliadas al mismo tamaño de la ventana, 180 x 180 cm. Quería usar la fotografía como normalmente no se usa, a tamaño natural permitiendo así reproducir las cosas tal como son. Se montaron en la Sala Negra del Instituto Chileno Norteamericano, a la misma altura del suelo como en mi casa.

Ingrid: Usted quiso mostrar también la intimidad, desde su ventana, para que todos la vieran…

Así es, para que todos se sintieran dentro de mi casa, compartiendo algo que solamente yo y mi familia podíamos ver. Esa exposición tuvo una asistencia de público increíble. El tema era trasladar mi realidad a otro lugar y simultáneamente percibir el transcurso del tiempo, los colores que van del invierno al verano verlos en acción, significando. Necesitaba el color para crear ambientes y poder así expresar en forma más clara la realidad, porque la realidad es en colores. Es la imagen lo que me interesa. Así fue como solucioné mi problema.

E: Ahí hay algo relacionado con la interactividad, el hacerlo tú mismo, construir los objetos y volcar la creatividad a través de una cierta destreza técnica, porque en general, uno tiene una relación pasiva con el entorno…

Claro, e incluso cuando volví al blanco y negro, aunque seguí tomando fotografías de lugares, tuve un problema con el significado de la cruz, símbolo que aparecía en muchos de mis grabados, y que era una cosa espontánea, no respondía a ninguna teoría, solo porque la cruz me decía algo. Entonces vino una gringa que formaba parte del jurado de una Bienal de Grabado que se hizo en Santiago, y me preguntó porque usaba la cruz, yo le respondí que porque me gustaba, y me dijo: esa no es una respuesta. Y yo quedé preocupado. Años después, durante mi primer año sabático, buscando las fuentes de las imágenes que yo producía espontáneamente en mis grabados, estuve viajando a Concepción, lugar donde nací y pasé toda la secundaria, tratando de descubrir de donde salían las cosas y me remonté al cementerio. Mi padre murió cuando yo tenía cinco años, y mi hermana menor murió al año siguiente, quedamos mi madre y yo solos, e íbamos muy seguido al cementerio. Yo era un niño chico rodeado de cruces. Descubrí eso y descubrí también cosas sobre el paisaje, que siempre me ha interesado mucho, había también formas que saqué del paisaje natural, del paisaje urbano, del paisaje de los alrededores de Concepción, y llegué a esa conclusión.

I: Usted ha hecho el curso de color para gente muy diversa, personas que traen una preparación artística y gente que viene de otras disciplinas. De acuerdo a esta experiencia, ¿cree que el color puede ser aprendido o el colorista nace?

El curso de color de Albers, consiste en entregar conocimientos, pero al mismo tiempo en desarrollar la percepción visual. Es como cuando se hace una clase de cómo oír música, y se explican las diferencias de valor y timbre entre las notas, o la diferencia al reproducir una misma melodía con diferentes instrumentos. Con el color pasa igual. En el curso de Josef Albers, de la Interacción del color, hay cosas muy simples que los alumnos pueden manipular, cambiando de lugar y de tamaño un determinado color, comparando, y dándose cuenta que se puede ver distinto, de matiz, de valor y saturación lo que demuestra la relatividad del color.

En el fondo lo que se enseña es a ver, y eso lo puede hacer cualquiera. Por eso yo recomiendo también a los teóricos del arte que practiquen este curso, para que tengan conciencia de lo que están escribiendo cuando se trate del color, para que hablen del asunto con conocimiento de la situación. Este curso es algo que se le podría entregar a cualquier persona.

I: ¿Y cualquier persona podría desarrollar la apreciación cromática?

Claro. Yo he hecho cursos de Extensión y en ellos se inscriben dueñas de casa, pintores aficionados, ingenieros, médicos, abogados, periodistas, estudiantes de enseñanza media, y personas de todas las edades, que logran interactuar y yo lo paso muy bien. Es gente que toma el curso porque quiere aprender, y uno se siente muy motivado como profesor.

Es un curso que no requiere mayor destreza técnica, porque se trabaja con papeles de colores. Se aplica el método que diseñó Albers, que en mi opinión es una de las cosas más importantes que hizo, además de su obra “Homenaje al Cuadrado“. Lo desarrolló en Estados Unidos, ya que cuando hacía clases en la Bauhaus enseñó el Curso Preliminar y el curso de Pintura en Vidrio. Pero este curso de Color lo desarrolló cuando estaba enseñando en Black Mountain College, lugar donde estudió Robert Rauschenberg, alumno de Albers, y uno de los estudiantes que más lo sufrió y que una vez, cuando lo entrevistaron declaró que “Albers podía llegar a matarte con su disciplina”. Pero creo que también era porque siempre es necesario tener una metodología, un orden personal a la hora de trabajar, no se puede estar esperando a que llegue la inspiración…

I: La inspiración llega con el trabajo…

Si, la inspiración te llega cuando estás trabajando entusiasmado, cuando logras meterte en un asunto, ahí se siente uno de una manera especial. Siempre me preguntan por qué soy profesor de Color y trabajo tanto con blanco y negro. La verdad es que creo en la libertad para elegir los recursos. Claro, soy profesor de color y me interesa mucho, lo hago con mucho gusto porque para mí fue lo que me enseñó a descubrir el arte. Yo entendí lo que era el arte a través del curso de color. Lo que hacía antes era dibujar bien, pero del arte mismo no sabía mucho, porque no salí de ninguna escuela, dibujar era una cosa intuitiva en mí. Pero con el curso de color me di cuenta que estos elementos del dibujo se podían manejar a voluntad, como lo que sucede en los “Estudios Libres” de Albers, que son prposiciones con color. Ese curso fue lo más importante que me pasó, porque me hizo ubicarme en el arte.

T: ¿Cómo fue la experiencia en el taller de grabado de Nemesio Antúnez?

Primero estudié pintura y cuando estaba metido en la pintura, realmente entusiasmado, conocí a Antúnez, quien me invitó a su taller de grabado. Después de haber impreso mi primer grabado, dejé la pintura. Me quedé con el grabado. La experiencia en el Taller 99, además de adquirir conocimientos que se transmitían desde los integrantes más antiguos a los recien llegados, me introdujo en el medio artístico. El taller era visitado a menudo por músicos, arquitectos y escritores, con los cuales se generaban tertulias culturalmente muy enriquecedoras.

I: Usted que se ha dedicado al color como profesor y al grabado, que tiene que ver más con la forma, como artista en su obra. ¿Qué posición tiene con respecto a las teorías o a la discusión constante que surge entre la importancia de la forma por sobre el color, o viceversa?

Yo creo que ambos son lenguajes, y que son válidos los dos. Se pudenen combinar. Lo importante es saber qué es el lenguaje de la forma, y qué es el lenguaje del color. Hoy en el arte no hay límites, en ese sentido soy bien abierto. Lo único que considero fundamental es que quien use el color, lo use correctamente, en lo que se le ocurra. Si el color está aplicado en algo, que sea porque tiene una función que cumplir, no por una razón decorativa.

I: ¿Y usted cree que el uso del color en las aplicaciones de hoy en día, tiene esa conciencia?

No mucho. Hay algunas personas que tienen mucha facilidad para el color, aunque no tengan una formación artística, pero son pocas. Con el curso de color de Albers se hacen cosas interesantes, es formativo y para mí es fundamental que esté al comienzo del aprendizaje artístico, diría que obligatorio.

I: Pero la realidad de la mayoría de las escuelas de diseño y arquitectura, es que Color, como curso,  no está ni siquiera considerado básico en dichas carreras. Es un electivo en las pocas universidades que lo tienen, pero en las otras, arquitectos y diseñadores egresan sin conocimientos sobre color…

Exacto, y creo fielmente que es por falta de conocimiento de los que planifican las carreras. Si miramos los fundamentos de la Bauhaus por ejemplo, el color si estaba considerado dentro de las materias básicas. Se debían dominar muy diversas materias para poder egresar, y no tenías límites. En la Bauhaus interactuaban artistas con diseñadores y arquitectos y esa interacción buscaba abrir los horizontes. En mi opinión, la Bauhaus era incluso más adelantada que lo que pasa hoy en día, ya que se combinaban los elementos compositivos como el espacio, el color, porque son parte del lenguaje visual, que es algo complejo.

I: ¿Y como cree Ud. que afecta esa falta de formación en materias de color?

Afecta harto. Bueno, uno de los efectos del curso de color por ejemplo es el desarrollo de la percepción cromática. Una persona común y corriente que asiste a un curso de color, se puede dar cuenta luego de finalizarlo que ha aumentado su capacidad de ver, que puede ir a un museo y gozar con la pintura, con la visión de nuevas relaciones entre los colores, cosas que no había visto antes, básicamente. Y reconociendo la naturaleza relativa del color. Yo mismo, luego de asistir por primera vez al curso de color en Chile, tuve la posibilidad de ir al museo de Houston, y apreciar cómo una pintura de Cezanne se veía multicolor. Después en Washington, vi por primera vez un Vermeer en directo, era “Muchacha con sombrero rojo” y quedé boquiabierto. Jan Vermeer es uno de los pintores que sabía de color, y yo me he encargado de estudiarlo, para entender cómo llegó a hacer lo que hizo: reproducir un momento del tiempo, mediante un manejo genial de la luz y el color, que son la misma cosa. Cuando fui por primera vez a Europa, me llevé anotados todos los museos donde había un Vermeer, para ir a verlos, verlos de verdad.

I: Y en eso el aprendizaje del color es fundamental…

Sí, porque con la práctica del color adquieres la capacidad de poder ver, fijarte más profundamente en ciertas cosas. También caminando por la calle, te das cuenta que a cada momento pasan cosas con el color, cosas que antes no habías visto, detalles. Y si se tiene habilidades; ver puede servir para hacer algo, algún proyecto, y sino, para pasarlo bien apreciando una pintura, o la vida misma.

Las preguntas que se formularon entonces, fueron claves en la concreción del proyecto, y constituyen materia de análisis en torno a cómo se enseña y aplica el color hoy en el diseño. Algunas de ellas fueron:

• ¿Cómo es la formación en materias de color de los diseñadores chilenos?
• ¿Qué contenidos constituyen la materia prima del color, y cual es la manera más eficiente de entregarlos, en la actual era de la información?
• Estos contenidos, ¿se enseñan en las Escuelas de Diseño?
• ¿Es posible encontrar estos contenidos en las bibliotecas?
• ¿Se encuentran disponibles estos contenidos en los principales sitios y blogs de diseño?
• ¿Qué cantidad y calidad de información relacionada con el color existe en español?
• ¿Cómo lograr que el color sea reconocido como lo que es, una herramienta importante dentro de proceso creativo?

Algunas respuestas a dichas preguntas, revelaron que los estudiantes y por sobretodo una gran parte de los diseñadores gráficos chilenos desconocían los principios básicos para la aplicación del color. Otras, señalaban que la mayoría de estas personas había recibido una formación escasa sobre materias cromáticas y que esa formación habría sido estrictamente teórica. Todo lo anterior manifestaba en una subestimación de la real importancia de la aplicación consciente del color, limitándose a aplicarlo como una herramienta decorativa dentro del proceso proyectual. Con este diagnóstico, comenzaba la realización del proyecto.

El primer paso en el desarrollo de Proyectacolor, fue recurrir a las principales y más confiables fuentes de la ciencia, el arte y la enseñanza del color. Sólo por nombrar algunos autores, en el proyecto convergen Newton, Goethe, Kandinsky, Itten, Gage, Albers, Birren, Kueppers, Munsell, Arnheim y Heller. La combinación de todos ellos, permitió generar una estructura de cuatro unidades básicas de contenido, denominadas bajo los títulos de Teoría del Color, Percepción del Color, Significados del Color y Aplicación que buscan nivelar el conocimiento básico sobre la ciencia del color.

Posteriormente, fue necesario adaptar el contenido teórico-práctico de estas cuatro unidades básicas de contenido a los nuevos medios digitales. Esto significó una revisión al material didáctico que forma parte del imaginario colectivo de la ciencia del color: un paseo por miles de años de círculos cromáticos y esquemas que han apoyado el estudio y explicación de dicha ciencia, y que han sido proporcionado por artistas, científicos, químicos, entre muchos otros, a lo largo de la historia.

Recopilados los esquemas e imágenes más idóneos para apoyar las cuatro unidades básicas de contenido, este material se adaptó, en algunos casos rediseñó y se traspasó a archivos de imágenes digitales. Con todo lo anterior los contenidos estructurados estaban listos para ser implementados en la plataforma.

Proyectacolor se concretó en la creación de una plataforma o herramienta para el aprendizaje del color, que contempla tres instancias: digital, presencial y mixta. Dicho de otra forma, el proyecto consiste en una tríada de comunicación visual compuesta por: una plataforma Web con recursos sobre color (instancia digital), un curso o Taller de color (instancia presencial) y una serie de objetos de aprendizaje digitales para ser implementados en el taller de color (instancia mixta).

La plataforma Web pretende ser un compendio de recursos sobre color, que permite el acceso inmediato a las cuatro unidades básicas de contenido, además de la rápida resolución de dudas y facilita la aplicación práctica de paletas cromáticas para determinadas necesidades de color en el de diseño. Para esta instancia se tomaron en cuenta conceptos esenciales como el planteamiento de contenido en pantalla, navegación, interactividad, utilización de interfaces, fines educativos o de traspaso de conocimiento o simplemente organización de contenidos.

El taller de color corresponde a un programa de 18 clases, que puede ser implementado completamente o bajo la modalidad de workshop de color, módulos que permiten acceder a grandes cantidades de usuarios distintos y así ayudar a la difusión del proyecto.

Los objetos de aprendizaje completan la triada en su función de ser recursos modulares, adaptables e intercambiables, de utilidad para el apoyo visual de los contenidos y su atractiva implementación en las clases del Taller de color o workshop.

Esta triada está basada en la teoría, muy apegada a su bibliografía, pero además busca el conocimiento del color desde el manejo práctico de su técnica mediante interacción, experimentación y comparación. Es decir, desde la ejercitación de la percepción humana, para adquirir nuevos conocimientos y aptitudes, ya que conocer sus dimensiones físicas, armoniosas y psicológicas, significa la adquisición de nuevas competencias que otorgan al profesional del área visual, herramientas importantes a la hora de afrontar sus proyectos y de ejercer la disciplina.

El proyecto plantea la adquisición de los conocimientos básicos aplicados sobre color, garantizando su funcionamiento en la articulación simultánea de la triada completa. Los pasos porteriores a la concreción de la plataforma y la implementación de las cuatro unidades básicas de contenidos cromáticos, han considerado la constante evaluación del funcionamiento de la plataforma en las tres instancias diferentes que conforman esta triada. Esta evaluación ha consistido en la recepción de comentarios por parte de los usuarios, además de el testeo y aplicación de los recursos en la práctica, lo que ha propiciado su modificación y perfeccionamiento.

Proyectacolor está destinado a académicos, profesionales y estudiantes conscientes que hay pocos estímulos visuales tan poderosos como el color. Pero mucho más allá de eso, conscientes que el color influye en el entorno y modela la percepción, encierra complejas asociaciones y simbolismos, desata simpatía o antipatía, y transmite mensajes con la eficacia de las formas, las imágenes y los signos, sean tipográficos o icónicos. La filosofía detrás de este proyecto es “compartir conocimiento” de manera desinteresada, propiciando el aprendizaje personal y enseñanza del color además de otorgar recursos de apoyo a las disciplinas relacionadas.

Hoy en día, Proyectacolor pretende consolidarse como referente de compendio con recursos confiables, teóricos y prácticos sobre color, a nivel nacional y, por qué no, a nivel latinoamericano. Esta pretención se fomenta en la difusión del proyecto en las diferentes redes sociales, que han permitido agrupar a usuarios frecuentes del proyecto con quienes conocen al proyecto por primera vez, compartiendo impresiones, experiencias y comentarios.

Además, Proyectacolor ha sido presentado en 9 conferencias orales, en diferentes universidades, escuelas e institutos nacionales, además de participación en eventos tales como la reciente 4ta Bienal de Diseño, Chile se Diseña. Además se han realizado 10 workshops de “Experimentación Cromática” y “Lenguaje Cromático e Interpretación”, que han contado con la participación de más de 200 personas. También se ha difundido mediante el apoyo, organización y patrocinio de diversos eventos ligados a la comunicación visual.

Finalmente, no hay dudas de que el camino a seguir para Proyectacolor es largo, consciente de que queda mucho por hacer y que la recepción por parte de los usuarios ha sido muy positiva. Los próximos pasos para el proyecto podrían comtemplar la publicación impresa de las unidades básicas de contenido concretadas en un libro, o el desarrollo de objetos de aprendizaje impresos, la combinación del material didáctico con nuevos medios interactivos, o su implementación en otros idiomas.

El camino es largo, pero sin duda, lleno de colores.

Hasta el siglo XVIII, se desarrollaron numerosas teorías referentes a la definición, ordenamiento y articulación de los colores, un notable avance en materias de la óptica de la luz que surgió del conocimiento de grandes como Aristóteles, Descartes, Newton y Goethe, entre otros. Los principales avances en materias cromáticas pasaban por un análisis y exploración del fenómeno de la luz y sus características cromáticas.

Una vez descubierto el misterio de la luz como fuente del color y de que sin ella no existiría ni la más pálida tonalidad, el siglo XIX llegó con una pregunta pendiente: ¿cómo logra la naturaleza una variedad tan infinita de tonos? La respuesta se encuentra en la articulación de tres elementos indispensables: la luz, fuente del color; la materia, que reacciona al color, y finalmente el ojo, instrumento que percibe el color.

La pigmentación

Para que la materia biológica o natural reaccione al color, debe contener algún tipo de pigmento. Un pigmento es cualquier sustancia que produce color en las células animales o vegetales, y muchas estructuras biológicas, como la piel, los ojos y el pelo, contienen pigmentos. Los pigmentos corporales que los organismos presentan al exterior constituyen tanto un sistema de comunicación como de supervivencia. El conjunto de pigmentos que envuelve sus cuerpos recibe el nombre de pigmentación biológica.

Las ilimitadas tonalidades que los organismos naturales han adquirido no son gratuitas, sino producto de la inefable evolución de las especies en su lucha por sobrevivir, si nos apegamos a los principios darwinianos. A fines del siglo XIX, el naturalista inglés Alfred Wallace, publicó la Ley de Coloración Progresista de las Flores, donde afirmaba que el primer color que existió en el más remoto de los tiempos era el verde, tan antiguo como la vida misma.¹ Se trata del verde característico de la clorofila, pigmento vegetal de las primitivas algas de hace más de tres millones de años. Verde que con el tiempo accedió a su auto-decoloración para que lograran aparecer las primeras tonalidades blanco amarillentas en los pétalos de algunas flores, como el Diente de León y los ranúnculos. A partir de ello el color fue la marca de cada especie, el don con que la naturaleza premió su evolución.

Lo anterior fue corroborado en los modernos estudios de paleogenética, en los que se afirma que el color en los seres vivos es una característica heredada: dada la inmovilidad de las plantas, que dificulta su fertilización y reproducción, éstas tuvieron que trasladar los pigmentos – que utilizaban en otros procesos bioquímicos – hasta las células de sus pétalos para lograr manchas coloreadas y así conquistar con sus magníficos colores a los insectos polinizadores.

Lo mismo sucedió en el mundo animal, donde los colores se han transformado con una finalidad de exhibición para el apareamiento – como es el caso del ostentoso pavo real –, o bien, como camuflaje ante los posibles depredadores de su especie. Incluso algunas especies pueden controlar las reacciones de su pigmentación frente a ciertos estímulos externos, de naturaleza háptica por ejemplo, como la temperatura.

Se cree que la transformación pigmentaria sucedió también con los seres humanos. Aquellos antepasados prehistóricos que vivían cerca de los glaciares, expuestos a largos y penumbrosos inviernos, desarrollaron la piel clara para absorber el máximo de radiaciones ultravioletas; lo contrario de los antepasados de los trópicos, cuyas pieles se oscurecieron como protección de los intensos rayos del sol. Y más aún, el color en la vida humana también sirvió para la consagración del género, coloreando, por ejemplo los labios y mejillas femeninas que sutilmente contribuyen a la atracción del sexo opuesto.

La visión cromática

Científicamente, se afirma que la visión del color se formó hace 400 millones de años, en el llamado periodo Silúrico, entre los antepasados de los peces². Aquellos seres marinos pudieron comenzar a diferenciar el color que las algas les sugerían, del que veían como matiz general en el agua. Hoy, son muchas las especies marinas, terrestres y aéreas que distinguen sugerencias de diferentes longitudes de onda de la luz que reciben.

Para Darwin, el ojo también evolucionó de un simple nervio óptico a un complicado instrumento de visión. Darwin estaba convencido de que la luz y los colores que ella permite son una fuente de información sobre el medio ambiente, por lo que los animales y plantas tienen que entender su lenguaje y significaciones para lograr sobrevivir: las frutas verdes indican que todavía no es el momento de comerlas; las bayas negras son rechazadas instintivamente por los seres humanos debido a su toxicidad; los pájaros identifican a sus crías por el color de sus picos, etc.

Se ha comprobado, por ejemplo, que los animales cuyas vidas transcurren a la luz del sol tienen una mejor visión de los colores que los que viven a la sombra, además de que su pelaje tiende a ser de colores vivos y brillantes debido a que, por lo general, su apariencia imita el esquema de colores de su hábitat. Ello explica quizás, el triste fenómeno que la modernidad industrial ha provocado en las mariposas, las cuales en los últimos tiempos han ido sustituyendo sus vivos colores por el negro y el gris, análogos de los valles de humo y concreto urbano.

Todo lo anterior no es más que el reflejo contrastante de una verdad que forma parte inseparable de la naturaleza: el color nació para distinguirse de los demás pero, sobre todo, como el más puro y milenario vehículo de comunicación.

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1. FERRER, Eulalio. Los lenguajes del color. México D. F. : Fondo de Cultura Económica, 1999.
2. SANZ, Juan Carlos, El libro del color, Alianza Editorial, 1993, Madrid – ESPAÑA.

En el trabajo con el color digital, sea cual sea su finalidad (pantalla o impreso), nos topamos con diferentes opciones de archivos de imagen, los cuales no sabemos diferenciar del todo, en materias de gestión del color. Generalmente desconocemos qué tipo de archivo (JPEG, GIF, TIFF, etc) nos permite una mejor visualización del color, o qué se debe privilegiar  al contraponer la calidad de la imagen versus el tamaño del archivo, entre otras decisiones por tomar.

Además de conocer y manejar los modelos de color, así como la profundidad de color, si queremos obtener buenos resultados a la hora de manipular fotografías, ilustraciones y gráficos en general, se hace necesario conocer si el tipo de formato de imagen permite pérdidas de color (elimina la información de color menos aparente) o no las permite (no se pierde color en el proceso).

Los archivos de imagen presentan ciertos formatos estándar, donde los más comunes son:

El formato GIF

GIF (Graphics Interchange Format) es el formato de archivo que se utiliza habitualmente para mostrar gráficos, iconos e imágenes en Internet y otros servicios de visualización en pantalla. Utiliza la compresión sin pérdidas pero sólo con el modelo de color indexado, es decir, permite el trabajo solo con una paleta reducida de 256 colores en lugar de los millones de colores que permiten otros formatos.

Este formato fue diseñado para minimizar el tamaño de archivo y el tiempo de transferencia electrónica, razón por la cual al guardar un archivo en este formato, el programa gráfico privilegiará un tamaño pequeño de archivo antes que una mayor calidad de color. El formato GIF además permite imágenes con transparencia, pero no admite canales alfa para su uso en transiciones para animaciones.

El formato JPEG

JPEG (creado por el Joint Photographic Experts Group) se utiliza para fotografías a todo color y aunque cumple en el proceso de impresión, es ideal para gráficos Web. Utiliza la compresión con pérdidas, donde cuanto mayor sea la compresión, menor será el tamaño de archivo y más visible la degradación de color. En la mayoría de los casos, la opción de calidad máxima (menos comprimida) produce la pérdida menor de color.

Este formato no debería usarse para guardar imágenes que haya que manipular después, pues los bloques y rayas provocadas por la compresión serán cada vez más evidentes. A diferencia del formato GIF, JPEG puede trabajar con millones de colores pero al exportar el archivo comprime el tamaño descartando datos selectivamente. Este formato admite los modelos de color CMYK, RGB y Escala de Grises, pero no admite transparencias o canales alfa.

El formato PNG

PNG (Portable Network Graphics) fue creado con posibilidades de mejor calidad como una alternativa al formato GIF, utiliza una compresión sin pérdidas y es ideal para la visualización de imágenes, fotografías y gráficos en pantalla. A diferencia del formato GIF, PNG admite imágenes de 24 bits o más.

El formato PNG admite el modelo de color RGB, (al exportar una imagen PNG que tenga incrustado el modelo CMYK, este se convertirá automáticamente en RGB) además del color indexado, imágenes en Escala de Grises, el modo de Mapa de Bits, y transparencias aunque sin canales alfa.

El formato TIFF

TIFF o TIF (Tagged-Image File Format) funciona perfecto con todos los programas gráficos, es ideal para intercambiar archivos entre programas y entre sistemas operativos. Permite la compresión con o sin pérdidas, y esto hará que los archivos que pueden ser fotográficos, vectoriales y gráficos, entre otros, varíen en su tamaño, llegando los más pesados a tamaños de archivo máximos de 4 GB.

El formato TIFF admite casi todos los modelos de color: CMYK, RGB, CIE Lab, color indexado y en Escala de Grises con canales alfa, e imágenes en modo de Mapa de Bits sin canales alfa.

Los archivos de imágenes TIFF además son muy flexibles, ya que otorgan al usuario la capacidad de decidir la calidad de color de las imágenes, según las diferentes profundidades de color que admiten: baja (8 bits), media (16 bits) o alta (32 bits) por canal.

A pesar del reconocimiento de estos diferentes formatos de imágenes, con sus respectivas características, es probable que ante un encargo de diseño, si sea necesario utilizar un formato de archivo que produzca pérdida de color, pero en esos casos en particular, la recomendación es trabajar en el archivo editable característico del programa de diseño (PSD, AI, FH, etc) durante todo el proceso de edición del trabajo y sólo exportar como imagen al final del proceso, cuando ya no se necesiten realizar más modificaciones, de manera de minimizar la pérdida de color.

Finalmente, así como puede ser de utilidad conocer las diferencias entre los formatos de archivos de imágenes, adentrarse en la gestión del color puede evitar o solucionar inconvenientes que se presentan a la hora de exportar los archivos para las diferentes finalidades, o simplemente optimizar los recursos cromáticos en función de una mejor comunicación del mensaje.

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En esta nueva sección se abordarán estos diversos factores desde un enfoque teórico, pero con base en la aplicación práctica, buscando generar un vínculo entre la investigación y la realidad de la aplicación del color en los diferentes ámbitos del diseño de comunicación visual, extensibles a distintos campos de las artes visuales.

También periódicamente será posible encontrar artículos de algunos autores invitados, especialistas en determinadas áreas que sean de utilidad para ampliar el campo de estudio. De esta manera podrán incorporarse temáticas que bordeen por ejemplo la arquitectura, la pintura, la comunicación audiovisual, entre varias otras, y la manera en que el color está presente también en el desarrollo de esas disciplinas.

Los artículos presentes en esta nueva sección además podrán descargarse en formato .pdf, para aquel lector que desee archivar, coleccionar, reutilizar, hacer anotaciones, o simplemente leer sobre papel cada una de las publicaciones.

Finalmente, es interesante comprender que no caben dudas de que la evolución en el uso del color en el diseño y el desarrollo de este campo, tendrá que descansar cada vez más en una fructífera interacción entre investigadores, técnicos y diseñadores. La tarea más importante para los investigadores en color en el diseño será actuar como nexo entre ambos grupos, desarrollando aplicaciones de la ciencia del color al diseño, proponiendo hipótesis que puedan ser sometidas a prueba y contribuyendo a la comunicación mutua por medio de un acuerdo terminológico – muy necesario – sobre bases comunes.

El escenario más interesante que podemos desear y esperar para los años por venir es una verdadera integración de todos los campos de investigación en color y un intercambio de conocimientos sobre la base de un lenguaje común.