Tim Bavington es un diseñador gráfico, pintor e ilustrador inglés, establecido en Las Vegas, con una prolífica carrera respaldada por una gran cantidad de exhibiciones de forma individual o en conjunto con otros artistas destacados. Su trabajo destaca por la importancia que el artista otorga a la estrecha relación entre colores y música. El principal sello de su obra son los lienzos de composiciones geométricas abstractas, basadas en lineas paralelas, generalmente ubicadas en dirección vertical, cuya morfología permite apreciar de buena forma el panorama cromático que emplea en su trabajo, y que es articulado por las influencias musicales del artista, en un momento determinado.
Su carrera comenzó muy temprano, como diseñador gráfico e ilustrador para la serie de televisión Los Simpson, para luego dedicarse profundamente al arte pictórico geométrico. Sus pinturas, realizadas mayoritariamente en la técnica del aerógrafo acrílico sobre tela, han sido inspiradas en piezas musicales, según el mismo artista. En 1998 desarrolló y vendió su primera pieza gráfica inspirada en la canción Driving Nowhere, del rockero británico Paul Weller, la cual estaba compuesta de líneas verticales de colores, muy similar a sus trabajos actuales.
Más adelante, en 2002, definitivamente incorporó esta metodología de trabajo musico-cromático, mediante la realización de una composición visual inspirada en un solo de guitarra de Jimmy Hendrix, de la cual transcribió las notas musicales y las asoció a colores, realizando su obra denominada Voodoo Child (Slight Return). A partir de esta obra, Bavington comenzó a trabajar con una estructura de música y homologación cromática que emplea en muchos de sus trabajos.
Desde el análisis de su perspectiva cromática, la obra de Bavington genera un puente entre la representación pictórica y la comunicación visual, de la mano de la semiótica cromática. Bavington asocia tiempos, silencios y sonidos a los determinados colores, cruzando las barreras de lo psicofisiológico, y otorgándole al color una dimensión que va más allá de lo visual. Este vínculo entre colores y música, generalmente sinestésico, tan trascendental en la obra de este artista, separa su trabajo de lo puramente visual, y refuerza las relaciones cromático-musicales de las que hablaran alguna vez Aristóteles, Kandinsky y lo acerca a una estructuración de la relación de la escala musical y los tonos cromáticos estudiados por Skriabin.
Por otro lado, la abstracción de sus obras nos lleva a apreciar el color en su totalidad, y generar el vínculo con lo musical y con el arte abstracto por excelencia, llevándonos al estudio de Josef Albers y los talleres de color desarrollados en la Bauhaus. En sus clases, los alumnos de Albers a menudo se veían enfrentados a ejercicios de Estudios Libres cromáticos, los cuales debían extraerse de piezas musicales, sensaciones, temperaturas, entre otros. Pero la obra de Bavington también nos remonta, más adelante, hacia el pop art, por la asociación de sus lienzos con el código de barras y con el Technicolor, o la carta de ajuste, íconos de ese arte.
Desde un enfoque más técnico, Bavington emplea constantemente la interacción del color, mediante la yuxtaposición de colores, que aparecen más de una vez dentro de un mismo lienzo y en diferentes proporciones o cantidades, es decir, con diferente presencia. De esta manera, los contraste más empleados por el artista son los de calidad y de cantidad. Un rol importante en sus obras lo emplea el tamaño o proporción de los diferentes lienzos que emplea, ya que estos acentúan las relaciones cromáticas y más aún, la relatividad del color.
Tim Bavington ha expuesto sus trabajos en cuatro continentes, en países como Canadá, Inglaterra, Francia, E.E.U.U., Emiratos Árabes Unidos y Corea del Sur, y ha protagonizado numerosas exhibiciones en el Museum of Modern Arts de Nueva York y el Museum of Contemporary Art de San Diego, entre otros. Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal.
David Gerstein es un pintor, escultor, dibujante y diseñador israelita con una vasta y muy prolífica carrera, que contempla pinturas, esculturas de metal, intervenciones en espacio público, collages, fotografías entre otros. Su trabajo busca ampliar los límites de las 2 dimensiones, realizando pinturas-esculturas tridimensionales. Las temáticas de su obra son bastastante cotidianas, van desde sueños íntimos a escenas de la vida diaria o del panorama noticioso actual, buscando romper la barrera entre el arte contemplativo y el público, acercándo de esta manera el arte a la gente.
Gerstein incorpora el color como elemento clave dentro de su obra, su sintaxis es fácilmente reconocible. Valoriza los trazos de las figuras en sus composiciones mediante combinaciones de color que se perciben como atractivas, que escapan de esa cotidianeidad de las temáticas y generan un quiebre, un llamado de atención en la rutina de la vida urbana. De esta manera Gerstein busca generar un estilo propio que sea a la vez muy recordable.
En un plano más técnico, el artista emplea distintos esquemas de contraste de color, generalmente diferenciándolos según el sustrato o material que está usando o interviniendo. Así, es posible encontrar recurrentemente el contraste de colores puros en sus piezas como intervenciones urbanas y esculturas de metal, las cuales además se presentan como arte pop, cercana en temática y colores a la obra cromática de Keith Haring. En este sustrato también es muy constante la estética del fauvismo la que aparece con sus colores y sensualidad.
Las esculturas e intervenciones de Gerstein poseen, en algunos casos, el carácter decorativo extraído de la influencia de las obras de Matisse en el artista, con su técnica inventiva. Objetos y composiciones de buen corazon, que transmiten una cierta ironía y humor, desde su concepción para la sociedad israelí, hasta sus alcances a otros lugares del planeta, como lenguaje universal facilmente entendible por las diversas culturas que han tenido acceso a sus obras. La realidad como una carrera sin sentido es el tema de varias de sus obras, tales como: “Marathon” y “El Gran Maratón”.
Pero en el caso de sus pinturas, sucede algo muy diferente a niveles cromáticos y formales. El contraste más recurrente es el de calidad o saturación, el cual emplea para destacar cromáticamente algunas áreas de las composiciones, generando una atmósfera pareja que se quiebra mediante la aparición de un color muy saturado. En ellas, la paleta cromática del pintor es más reducida y no tan extrovertida, y las escenas que retrata son generalmente de interiores, en su estilo muy particular, y con un carácter más íntimo.
David Gerstein es un artista consagrado, tanto en su país como en aquellos a los que han llegado sus obras. Ha expuesto en países como Taiwan, Alemania, Australia, Italia, Brasil, Bélgica, Canadá, Japón, Corea, Luxemburgo, Marruecos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Suiza, Suecia, y E.E.U.U. entre otros. Además su trabajo forma parte del imaginario colectivo israelita, ya que sus obras han sido usadas en diarios, revistas y publicidad en ese país.
Puedes conocer más de sus obras en su sitio web personal o ver este video.
El viernes 6 de noviembre, recién pasado, Proyectacolor estuvo en el Instituto y la Universidad Santo Tomás, sede Concepción, en el encuentro “Diseñador Persona, Conciencia y Roles de Nuestra Profesión”, que contempló una jornada de workshops y charlas.
El encuentro contó con la participación de Felipe Cortez de Tremendoholding, Ingrid Calvo de Proyectacolor y con Jko Contreras y Nicolás Sagredo de Navaja. La jornada se dividió en 3 workshops realizados en la mañana, para luego dar paso a las charlas, realizadas a partir de las 16 horas, en el auditorio de la Universidad Santo Tomás, sede Prat, ante una gran cantidad de asistentes, entre alumnos y profesores, de las diferentes instituciones que imparten carreras de Diseño en la ciudad de Concepción.
En esta oportunidad, Proyectacolor presentó un workshop de Experimentación Cromática, el cual consta principalmente de 2 partes, una introducción teórica, que representa un paseo desde la Gestalt a la Bauhaus, pasando por Josef Albers y otros exponentes del color, hasta llegar al arte cinético.
Se enfatizó en la capacidad del color de actuar por sí solo como un elemento comunicativo, mediante un repaso de sus propiedades, y su naturaleza interactiva. También se reconoció a Josef Albers como uno de los mayores referentes en el estudio del color como material relativo, mediante la muestra de sus más importantes trabajos, y por sobretodo, sus estudios libres sobre color. Luego de la introducción teórica se dio paso a la segunda parte del workshop: el desafío del ejercicio práctico.
El ejercicio práctico consistió en la realización del estudio libre, mediante la comparación de tonos cromáticos y su yuxtaposición en un soporte común, en búsqueda de una composición cromática atractiva, coherente, significativa y recordable.
En la jornada de la tarde, Proyectacolor presentó la ponencia “Proyecto de Título como aporte a la disciplina”, la cual se abordó desde reconocer al color como un recurso importante en el ejercicio de la profesión del diseño. Para esto se enfatizó en el hecho de que, como cualquier otro recurso de la comunicación visual, el color también tiene su técnica y está sometido a ciertas leyes, cuyo manejo representa una herramienta muy poderosa para el diseñador.
La ponencia potenció el reconocimiento de las 3 propiedades, comunes a todo color y en todo sustrato. Luego se avanzó hacia su especificación, ya sea como color luz o color pigmento, y los diferentes modelos de color actuales, y su ejemplificación en el trabajo real del diseño. Posteriormente se incitó a la obtención y creación de paletas cromáticas para diferentes ocasiones, y aplicables al trabajo del diseño, pero siempre considerando la dimensión comunicativa del color, es decir, su significado.
De manera de aunar todo lo anterior, al término de la ponencia, se presentó Proyectacolor, desde su concepción como Proyecto de Título, su posterior desarrollo y alcances al día de hoy, además de su contacto con las diferentes redes sociales como el grupo de Facebook y la cuenta de Twitter.
Leonid Afremov es un pintor nacido en Vitsyebsk, Bielorrusia, –ciudad cuna de muchos artistas–, y cuya técnica característica primordial es el uso de la paleta o espátula, la cual otorga un toque especial a las composiciones pictóricas que realiza. Con la historia de una vida difícil y viajada, Afremov fue plasmando las atmósferas cromáticas de cada lugar donde vivió.
El artista comenzó pintando imagenes para propaganda comunista, con el único fin de darse a conocer en las salas de exposición de su ciudad natal. Desde temprano su particular estilo se hizo notar, y destacó por sobre sus pares, pero la explosión de su expresión artística llegaría cuando se erradica en Israel, junto a su familia. Es entonces cuando la riqueza cromática de sus pinturas, se convierte en su sello diferenciador, y se dedica en una primera etapa a diseñar portadas para revistas.
Las piezas gráficas de Afremov, en cuanto a su colorido, son muy variadas. El artista presenta en sus diferentes obras los diversos contrastes del color, retratando paisajes bajo la lluvia, personas, bailarinas de ballet , y hasta músicos y personajes famosos, con un marcado neo-impresionismo, y denotando la influencia cromática de Kandinsky y Malevich, coterráneos del artista. De esta manera es frecuente encontrar en su obra, esquemas de contraste de calidad, cálido-frío, colores puros, entre otros.
Otro elemento destacable de la obra de Afremov es la presencia de texturas y ambientes cromáticos. La particular técnica de la pintura sin pincel, mediante el uso directo de la espátula, otorga al cuadro un relieve interesante, que además sugiere la presencia de diversas capas de colores debajo de los tonos presentes en la superficie. Los colores en las obras de Afremov nunca se presentan como planos, sino que son el resultado de múltiples mezclas ópticas que se logran mediante la interacción del color aplicado en capas de pigmento.
El particular estilo cromático y pictórico de Afremov, le abrió muchas puertas pero también le trajo algunos inconvenientes. Precisamente durante una exhibición de sus trabajos en Israel –lugar donde su estilo generaba gran controversia, especialmente los desnudos que pintaba– que desconocidos invadieron su estudio y destruyeron muchas de sus pinturas. Luego de este incidente, decide irse a vivir a E.E.U.U. lugar donde durante décadas se dedicó a perfeccionar la técnica de la espátula.
La obra de Leonid Afremov es muy extensa, y abarca miles de pinturas de las más diversas temáticas. Sus trabajos han sido expuestos en 4 continentes, y continúa pintando en la ciudad de Boca Ratón, donde reside, en el estado de Florida, E.E.U.U. Además la historia de su vida ha inspirado diversos documentales y creaciones audiovisuales que recopilan sus viajes y anécdotas. Puedes ver algunos de ellos haciendo click aquí y aquí. Y puedes conocer más de su obra en su sitio oficial.
Françoise Nielly es una artista integral francesa que se ha dedicado por años al estudio de la imagen, abordándola desde diferentes técnicas artísticas, tales como fotografía, ilustración, ilustración digital y pintura, siendo esta última aquella a la que se ha dedicado apasionadamente hace ya un largo tiempo. Independientemente de la técnica empleada, para esta artista, lo esencial a la hora de construir una composición es la expresión, llegando a niveles –en palabras de los espectadores– en que sus pinturas “logran tocar la fibra de la sensibilidad”.
Con solo mirar un par de obras de esta artista, es fácil notar que, sin duda, el color es un ente protagonista en su trabajo. Estos colores son una herencia que ha recibido de su entorno familiar, su padre arquitecto, y por sobretodo del paisaje que la vio nacer y crecer, los colores del sur de Francia, Cannes y Saint-Tropez. En sus trabajos, la expresión la otorga el colorido lúdico, contrastado con la fuerza de las imágenes y los retratos que pinta: las miradas de los retratados, camufladas entre manchas de colores saturados.
Esta lucidez cromática son testimonio de una artista que derrocha vitalidad y disfruta de los espacios abiertos, para obtener una libertad absoluta de tonos cromáticos. Es muy recurrente encontrar gran cantidad de contrastes en sus obras, siendo los más característicos los de calidad, colores puros, y complementarios. Pero además de contrastar, Nielly sabe armonizar perfectamente mediante el empleo de gamas múltiples que se presentan al espectador en una gradiente de manchas que parecen ir de un matiz a otro, como en el círculo cromático.
Otro elemento cromático muy utilizado por Nielly, es la aplicación de color negro como parte de la forma, lejano a su habitual uso como fondo. En su obra, la artista lo incorpora como un protagonista más, otorgándole pausa y calma al ambiente de colores vivos –a veces con intenciones fosforescentes– que habitan sus cuadros. El negro es un lugar de descanso para el ojo, y además se impone con su naturaleza psicológica de la fuerza y el vigor, propios de la obra de Nielly.
Pero la aplicación del color, por mucho que se manejen sus propiedades y la articulación de esquemas de contraste y armonías, dependerá siempre de la técnica gráfica que se emplee para presentarla en una composición visual. La riqueza de las obras de Nielly se manifiesta en una aplicación de la mancha pictórica –aparentemente– dispersa e inesperada, y es precisamente esta manera de construir la obra, la que parece expresar que es el color el que habla en las manos de la artista, en su consecusión en la pieza gráfica.
Françoise Nielly ha exhibido sus obras en galerías en Canada, Alemania, E.E.U.U. y numerosas veces en Francia. Ha realizado numerosas obras entre 2002 y 2009, muchas de las cuales pueden comprarse por internet desde su sitio web personal y otros portales de venta de arte. Nielly es sin duda una artista consumada, con 20 años de expresión artística, que demuestran la madurez de su arte, y el perfecto dominio de su técnica.
Puedes ver más de sus obras en su sitio personal o conocer su perfil de myspace.
Anna Anjos es una diseñadora e ilustradora brasileña, con residencia en Sao Paulo, quien prefirió desde pequeña los lápices de colores antes que los juguetes. Su carrera comenzó como diseñadora y colorista en una fábrica de comics e hiperquímica (Quadrinhos e Hiperquimica) en Brasil. Sus trabajos actuales generalmente son ilustraciones de apoyo a medios de comunicación impresos como diarios o revistas. En ellos, aparecen simpáticos personajes, con un estilo muy particular y reconocible, y con atmósferas de color muy marcadas.
Precisamente es este trabajo de atmósferas cromáticas el elemento diferenciador de las ilustraciones de esta artista, ya que en sus obras, el color aparece como el espacio común en el que viven o habitan los personajes de su imaginera ilustrativa. Las relaciones cromáticas presentes en sus dibujos generalmente se basan en gamas múltiples, es decir, donde es recurrente la presencia de gradaciones de un color a otro, ambos cercanos en el círculo cromático.
Esta apuesta que asume Anjos es interesante desde el punto de vista de las variaciones cromáticas de 1 o 2 tonos, mediante la manipulación de las propiedades del color, ya sea en luminosidad como en saturación, lo cual permite el desarrollo de múltiples nuevos tonos, familiares a los 2 originales en matiz, pero más claros, más oscuros; más intensos o más pálidos. Es decir, Anna Anjos desarrolla una paleta cromática muy extensa con la variación de 2 tonos cercanos en matiz.
Otro elemento cromático interesante en la obra de Anjos – presente en la ilustración de arriba de este párrafo – es la recurrencia de la ilusión de transparencia. Mediante la articulación de la mezcla óptica de matices, la ilustradora, genera la ilusión de planos translúcidos dentro de sus composiciones. Esta ilusión puede conseguirse con un conocimiento un poco más avanzado de la naturaleza interactiva del color, y el dominio de sus propiedades; conocimieto que en algunos artistas es innato, pero que puede adquirirse mediante la práctica de un constante ejercicio de comparación cromática de tonos.
Además de armonizar mediante tonos cercanos en el círculo cromático, la artista articula relaciones de cercanía de saturaciones y luminosidades. Yuxtaponiendo colores cercanos en intensidad, genera atmósferas de tranquilidad, fusión y calma. Sin duda, Anjos maneja los atributos del color aplicándolos de manera efectiva en la composición de sus ilustraciones, claro ejemplo de un uso a conciencia del color, alejándose de lo puramente decorativo.
La obra de Anna Anjos ha estado siempre muy influenciada por sus inicios en el comic. Sus trabajos han sido publicados en más de 12 medios digitales y varios otros impresos. Ha trabajado para clientes como Sadia, Coca – Cola, Brahma, entre otros. Sus ilustraciones han ocupado sustratos como vestuario, carcazas para Ipod, afiches y portadas de diaros y revistas.
Puedes conocer más de su obra en su sitio personal, o seguirla en twitter o flickr.
Proyectacolor estuvo presente en ENEDI, el Encuentro Nacional de Escuelas de Diseño, que se llevó a cabo entre los días 24 y 28 de Agosto de 2009, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile. Este encuentro constaba con diferentes instancias de participación, como charlas, mesas de debate y workshops, entre otros, y constó con la participación de estudiantes de diferentes escuelas del país.
En esta oportunidad, Proyectacolor realizó 2 Workshops de Experimentación Cromática, uno el miércoles 26 de agosto, y el otro el jueves 27 de agosto, que contaron con la participación de apróx. 25 personas cada uno, y con un muy buen ambiente de trabajo. El workshop consta principalmente de 2 partes, una introducción teórica, que representa un paseo desde la Gestalt a la Bauhaus, pasando por Josef Albers y otros exponentes del color, hasta llegar al arte cinético.
Se enfatizó en la capacidad del color de actuar por sí solo como un elemento comunicativo, mediante un repaso de sus propiedades, y su naturaleza interactiva. También se reconoció a Josef Albers como uno de los mayores referentes en el estudio del color como material relativo, mediante la muestra de sus más importantes trabajos, y por sobretodo, sus estudios libres sobre color. Luego de la introducción teórica se dio paso a la segunda parte del workshop: el desafío del ejercicio práctico.
El ejercicio práctico consistió en la realización del estudio libre, mediante la comparación de tonos cromáticos y su yuxtaposición en un soporte común, en búsqueda de una composición cromática atractiva, coherente, significativa y recordable. Los resultados del workshop fueron de muy buen nivel, y se expusieron en el cóctel de finalización de ENEDi.
Para pronta información de nuevos workshops o charlas, mantente atento a Proyectacolor.
Yaacov Agam es un artista, escultor y pintor israelí dedicado al Arte Cinético, del cual fue uno de los pioneros. Una de las principales características de su trabajo es la diversidad de medios y técnicas que emplea para expresar sus ideas. Desde la realización de obras táctiles, obras transformables y pinturas polifórmicas (muy características de su estilo) en los años 50, ha continuado experimentando con nuevos medios, motivado por su afán de llevar al límite la segunda y tercera dimensión e incluso, introducir la cuarta dimensión —el factor tiempo—.
De esta manera, ha intentado superar el carácter estático de la obra de arte (búsqueda esencial del arte cinético) para lograr que se refleje una realidad continua y un infinito proceso de cambio y transformación, en un esfuerzo por expresarla de forma plástica, gráfica y visual. Su obra, además, se destaca por la interactividad que existe entre el artista y el espectador, ya que las obras de Agam suelen tener diferentes planos y pequeñas perforaciones por las cuales la pieza gráfica se ve de distintas maneras según el enfoque de quien observa.
Ya en el plano del color, en las obras de Agam este elemento esencial de comunicación visual es toda una experiencia. Lejos de usarlo como el último elemento en el proceso de creación de sus obras, el artista lo considera uno de los principios de la construcción de sus piezas gráficas. Es decir, en los trabajos de Agam —esculturas y pinturas—, el color es el protagonista, el actor que da orígen a la obra de Arte Cinético. Así, es posible encontrar en sus obras diversas armonías cromáticas, contrastes como el de cantidad, colores puros, calidad; relaciones de interacción del color, etc.
Son estos últimos recursos, la interacción del color y su relatividad, (desarrolladas en trabajos de Josef Albers) los medios que Agam incorpora de manera más intensa. Varias de sus obras se basan en el principio de la relatividad del color y su constante cambio, acentuando la cualidad cinética de su estilo artístico,y generando obras en las que es posible percibir hasta 3 ambientes cromáticos diferentes, según el ángulo con que se mire. Cuanto más se mueve el observador alrededor de la pieza artística mayor es la experiencia que obtiene de ella. Un claro ejemplo de esta técnica es su obra Three Dimensions.
En contraposición a las obras estáticas de su primera época, estas obras cinéticas están compuestas, en general, de una pantalla de metal plegada en abanico, en la que cada uno de los elementos está coloreado con un diseño abstracto y unido con el que viene a continuación. Los elementos que hay detrás de la pantalla pueden verse a través de perforaciones y rejillas, y de esta manera los colores y las formas cambian de manera constante a medida que el espectador modifica su posición.
Por otra parte, Agam en su obra ha otorgado importancia al color aplicado mediante pigmentación, es decir, al material pintado por sobre el color mismo del material en estado natural. Esto lo ha realizado para inferirle un aspecto más lúdico, alegre y cercano a sus obras, y generando un quiebre cromático con el plateado, color de un siglo de adelantos tecnológicos e industriales. Agam ha logrado acercar su arte a la gente, generando grandes estructuras de acero inoxidable pigmentado y de grandes dimensiones, en espacios públicos y exteriores.
Yaacov Agam es un artista premiado y reconocido mundialmente. La magnitud de su obra y su fama a nivel internacional le proporcionaron numerosos encargos públicos, tales como la obra pintada en el techo del Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York, entre otros. varias de sus obras están presentes en los Museos y Colecciones más importantes del mundo e incluso edificios en Estados Unidos e Israel son enormes esculturas cinéticas exteriores (Mondrian Hotel de Los Angeles, Dan Hotel de Tel Aviv, y el complejo Villa Regina de Miami). Asimismo la Unesco le concedió la Medalla Jan Amos Comenine 1996 para el Método Agam para la educación visual de los niños.
Puedes conocer más de su biografía aquí, y ver más de sus obras en este enlace.
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