Blog de Color

3 miradas sobre color

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 16:52 hrs. del Friday 04 de November de 2011

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Durante los días 25, 26 y 27 de octubre, recién pasados, se llevó a cabo en la ciudad de Santiago de Chile, el Seminario “3 miradas sobre color: historia, patrimonio y aplicación contemporánea”, realizado en la Escuela de Diseño de la Universidad Católica de Chile, y que contó con la participación especial de Renata Pompas, especialista italiana en color y diseño textil.

El seminario comenzó el martes 25, día en que las actividades estuvieron concentradas en una serie de 3 ponencias sobre temas cromáticos, acompañadas de una muestra de reproducciones en teñido natural. La primera ponencia estuvo a cargo de Ingrid Calvo de Proyectacolor, con el título “Investigación y desarrollo de contenidos para la Cartografía del Color”, proyecto que puede ser visitado en en la exposición Color y vibración, en el Espacio de Arte y Tecnología del Centro Cultural Palacio La Moneda.

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La segunda ponencia estuvo a cargo de Soledad Hoces de la Guardia y Paulina Jélvez, investigadoras de la UC y del Museo Chileno de Arte Precolombino, con el título “Colores en textiles precolombinos del norte chileno”, proyecto FONDECYT 1100914 de rescate cromático patrimonial.

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Y la tercera ponencia, estuvo a cargo de Renata Pompas, especialista italiana en color y diseño textil, con el título “¿Existe el color?”, donde realizó un breve análisis a las diferentes aplicaciones prácticas del color en decoración, diseño gráfico, publicidad, moda, textiles y arquitectura, entre otros, expresando que el color existe y debe ser aplicado como fenómeno consciente en cada área específica.

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Luego de cada una de las ponencias se generaron instancias de preguntas y conversación, donde los asistentes tuvieron la posibilidad de intercambiar sus opiniones y comentarios con los expositores.

Los dos días siguientes, miércoles 26 y jueves 27, se llevó a cabo un workshop de “Combinaciones cromáticas para proyectos”, realizado por Renata Pompas, para 20 alumnos. En este taller, Renata expresó 2 metodologías para la obtención de variaciones cromáticas para proyectos, que fueron trabajadas en softwares gráficos.

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Renata Pompas además realizó una valiosa asesoría a las investigadoras del Proyecto FONDECYT 1100914 en el Museo Chileno de Arte Precolombino, el día lunes 24 de octubre, aportando desde su experiencia en la aplicación de paletas cromáticas en Tendencias, Textiles y Diseño.

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El seminario fue organizado por la Escuela de Diseño de la Universidad Católica de Chile, Estudios del Color UC y Proyectacolor y patrocinado por el Museo Chileno de Arte Precolombino.

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Sarah Applebaum

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 12:32 hrs. del Sunday 12 de September de 2010

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Sarah Applebaum es una artista visual que vive y trabaja en San Francisco, California. En sus obras, incorpora diversos materiales, desde textiles hasta construcciones geométricas, mezclando mundos distintos que confluyen según las intenciones cromáticas de la artista.

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Las obras de Applebaum se presentan como un estallido espectral de color textil y geometría en los espacios que intervienen. Las formas, que presentan un contenido, sentido y crecimiento orgánico, van acompañadas en su proliferación de paletas cromáticas muy saturadas, además de una gran presencia de negro, que contribuye a la valorización de las formas geométricas y al contraste del color.

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La artista obtiene sus materiales de extensos recorridos y búsquedas en tiendas de ropa usada y telas a granel. Esto otorga un carácter hogareño y familiar a las texturas que emplea, pero a su vez, la conjunción cromática, unida a la constante aparición de la geometría, nos transporta a un ambiente absolutamente actual, moderno y contemporáneo, que encaja perfectamente en la sala de exposiciones más vigente.

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Desde el terreno de lo cromático, Applebaum no economiza en matices y los aplica de manera no excluyente en sus instalaciones. De esta manera, es recurrente encontrar en sus obras armonías triádicas complementarias, como también, esquemas de contraste de colores puros. Ambas relaciones cromáticas otorgan a la composición un carácter espectral, es decir, generan la aparición de múltiples matices de las más diversas gamas.

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Pero la elección cromática presente en la obra de la artista está irremediablemente determinada por el espectro de colores característico del material escogido. Applebaum no emplea tintes o pigmentos en sus piezas gráficas, sino que ocupa el color del material. Esto que podría considerarse una limitación en la elección de los recursos cromáticos, es precisamente lo que atrajo a la artista a trabajar con estos materiales: “Lo que realmente me atrajo de las mantas no era el punto, aunque soy consciente del tiempo y la habilidad que se necesita para confeccionarlas, y soy una tejedora terrible. Fue la combinación de colores locos, algunos por elección y otros por necesidad, lo que me atrajo realmente. Particularmente la unión entre la creatividad psicodélica de la elección del color y lo poco urbano/mundano de las mantas. Por encima de todo, estoy interesada en sus colores “.

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El color está en todo lo que vemos y lo usamos para entender nuestro entorno. Está muy relacionado con los sentimientos y la emoción. Mi trabajo es primario/básico. Trabajo con el color, el tacto, los arquetipos de la forma, los paisajes y la mitología”.

Sarah Applebaum ha expuesto sus obras en numerosas ocasiones, ya sea dentro de E.E.U.U. como en Italia, Islandia y otros países. Sus trabajos han sido publicados en diversos medios impresos de países como China, España, Holanda y Alemania, entre otros, y destacados en gran número de publicaciones digitales y blogs.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal o también, leyendo su blog de procesos.

Francisco Cintolesi

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 13:31 hrs. del Sunday 25 de July de 2010

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Francisco Cintolesi es un joven artista visual y diseñador gráfico chileno cuya especialidad es la pintura, en la que plasma la mímesis de las figuras, haciendo un trabajo pulcro entre luces y colores; recursos que constituyen el alma de sus obras, el lenguaje visual de las mismas.

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En las obras de Cintolesi, el color es un elemento pregnante, ya que el autor consciente de la capacidad evocadora de sensaciones que tiene este recurso, lo aplica dentro de sus lienzos sin mesura pero con laboriosidad. Sus piezas gráficas con un derroche de matices, son ambientadas a veces en lo irreal, a veces en una hiperrealidad, pero nunca indiferentes ante las paletas cromáticas seleccionadas por el artista.

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La elección de colores en las obras de Cintolesi refleja la actitud colorista del artista, de esta manera es recurrente encontrar en sus lienzos diferentes esquemas de contraste o armonías. El contraste de calidad es quizá el más usado por este artista, ya que esta forma de combinar colores garantiza el acento visual de ciertas figuras, al acentuar la saturación de sus colores.

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Otro contraste que Cintolesi utiliza bastante es el de colores puros, que se traduce principalmente en la articulación y contraposición de todos los colores en su estado más saturado, de manera de generar una competencia visual, que estimula a la retina e hipnotiza al usuario. La armonías de complementarios y la de dobles complementarios suelen aparecer también, aunque con menor constancia.

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Un elemento a destacar de las obras de este artista es su “explosión de color” que se aprecia cuando el ambiente de una obra se percibe como constante, en una suerte de tensa calma cromática, pero que despierta con la aparición de hitos cromáticos como manchas saturadas o contrastantes. Dichas manchas cromáticas conviven con el realismo de algunas de sus obras, como si pertenecieran al mismo mundo retórico. Este recurso que funciona como un punto visual, es generalmente muy orgánico, testimonio de realización humana, espontánea y por ende, con una gran riqueza visual.

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Francisco Cintolesi ha expuesto en numerosas ocasiones, de manera individual o coletiva, en los últimos 12 años. Además ha participado en numerosos proyectos relacionados con la comunicación visual, desde 1995.

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Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal, o ver un vídeo sobre su proyecto “Choque: no hay donde caer”.

Sachin Teng

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 21:31 hrs. del Sunday 23 de May de 2010

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Sachin Teng, más conocido como contraomnes, es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico y estudiante norteamericano de pregrado en el Pratt Institute, de 20 años de edad, establecido en Nueva York. Este joven artista busca la inspiración diariamente en la música instrumental y considera que el trabajo realizado debe considerarse casi tan importante como los estudios o grados adquiridos.

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La obra de Teng, mayoritariamente en lo que se refiere a sus ilustraciones, se presenta con una paleta cromática característica, que se ha convertido en el sello cromático del artista. Es muy recurrente la presencia de tonos cromáticos grises, de baja intensidad o saturación, en consecución de tonos de mayor saturación, pero generalmente en clave armoniosa – y a veces también – contrastante.

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De un modo más preciso, es el contraste de calidad – también denominado contraste de saturación – aquel que se aparece con más presencia dentro de sus trabajos, pero éste generalmente se encuentra articulado con la armonía de complementarios, o dobles complementarios, lo cual otorga un aspecto vintage a sus obras, con un ambiente cromático cercano a las paletas cromáticas del new age, y de los años cincuenta.

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Teng además es audaz en el uso de colores acromáticos, como blanco, negro y variados tonos de grises. El uso de esta tipología cromática acentúa el aire nostálgico y de añoranza de sus ilustraciones. Incluye también recursos visuales en la iluminación de las viñetas, tales como el grano, que hacen más evidente y característico el estado de ánimo de las escenas. En sus trabajos es difícil encontrar colores muy saturados o brillantes, ya que estos responden a la proximidad y la cercanía temporal y formal.

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La diferencia de luminosidad es un recurso que este artista también emplea bastante. Teng suele conjugar numerosas luminosidades de color, articulando de esta manera las diferentes gamas múltiples que utiliza. Así el artista aprovecha al máximo un mismo color, jugando con su carácter interactivo, haciendo que éste se presente con distinta apariencia según la cercanía con sus complementarios o su articulación junto a colores de luminosidades diferentes. De esta manera, percibimos una paleta cromática amplia, a veces sin saber que se trata de un mismo color en sus diferentes luminosidades. Sin duda una técnica que se obtiene mediante el trabajo cromático consciente, estudiado o adquirido en la práctica.

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Sachin Teng, quien se ha hecho bastante conocido bajo su seudónimo contraomnes, ha sido destacado en múltiples sitios web dedicados a la búsqueda de referentes gráficos. Su trabajo ha sido reconocido por The Society of Illustrators, el Museum of Modern Arts de Nueva York, P.S. Art y otras instituciones. Este año fue el ganador de la 2010 Student Scholarship Competition, de la Society of Illustrators.

Puedes conocer más sobre el trabajo de este artista en su sitio web personal, visitando su perfil de DeviantART o leyendo una entrevista que le realizaron desde esa misma red social .

Andrew Pearce

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 10:58 hrs. del Tuesday 30 de March de 2010

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Andrew Pearce es un apasionado fotógrafo, realizador de cine y diseñador australiano. Su carrera como realizador de cine comenzó el 2002 a los 12 años, edad en la que participaba en festivales y competencias de realización cinematográfica de la ciudad donde creció, de las cuales se enteraba buscando en Google o cuando veía algún afiche local.

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El trabajo más prolífico de Pearce hoy, corresponde a la fotografía, la cual desarrolla mezclando las técnicas fílmicas de encuadres y filtros de imagen,  que otorgan a sus fotografías un estilo cromático saturado y pregnante. En ellas, recurrentemente encontramos ambientes cromáticos muy definidos, relativos al estado de ánimo de la imagen y los elementos –figuras– que la componen. De esta manera, encontramos momentos alegres congelados por el disparador de Pearce, ambientados en gamas cromáticas que son percibidas también como alegría.

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Pero este acento que realiza Pearce en los estados de ánimo, no cae en lo absoluto en una realidad literal. Al contrario, Pearce, mediante la utilización de filtros cromáticos y elementos característicos del cine, como la postproducción, genera en la mayoría de los casos una supersaturación de los colores presentes en la imagen, excitando aún más al ojo del expectador pero llevándolo a un mundo casi irreal, en el que los colores juegan el papel más importante en lo que respecta a la atracción.

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Desde un plano más específico, es muy relevante en el trabajo de este fotógrafo, los acentos contrastantes de color que emplea en algunas de las series en su trabajo. Es común dentro de su portafolio, encontrar fotografías que responden a un determinado estado de ánimo, o temperatura, articuladas por gamas cromáticas de color fríos. Pero esa tranquilidad que otorgan los colores fríos, se ve en casos tensionada por la aparición de elementos absolutamente contrastantes en colores cálidos y con intensidad muy saturada.

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Del trabajo photográfico de Pearce quizá lo más importante a destacar es la cualidad creadora de ambientes que posee el color, y cómo estos ambientes pueden relacionarse con determinada emocionalidad: alegría, nostalgia, tranquilidad, tristeza, etc. Esto lo consigue mediante la correcta elección de los protagonistas de las imagenes y el papel que juegan los colores que introduce, ya sea por las diferentes técnicas que emplea, o que logra captar de las locaciones donde realiza las capturas fotográficas. Un pulcro trabajo de Dirección de Arte, con un especial énfasis en el uso cromático consciente.

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Andrew Pearce ha logrado reconocimiento nacional e internacional por su trabajo cinematográfico. En los ultimos años ha estado básicamente dedicado al trabajo fotográfico, con el que ha expuesto en numerosos países, como E.E.U.U., Canadá y Australia. Además ha participado en variados concursos entre los que destacan recientemente su 1er lugar en el 2010 Corowa Art Show, en la categoría de Retratos, 1er lugar en el 2010 Jet Star Photography Competition, y como diseñador su 1er lugar en el 2009 National Youth Week Poster Competition, entre varios otros premios y reconocimientos.

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Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o acceder a sus films, en su galería de deviantART.

Tim Bavington

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 12:44 hrs. del Friday 12 de February de 2010

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Tim Bavington es un diseñador gráfico, pintor e ilustrador inglés, establecido en Las Vegas, con una prolífica carrera respaldada por una gran cantidad de exhibiciones de forma individual  o en conjunto con otros artistas destacados. Su trabajo destaca por la importancia que el artista otorga a la estrecha relación entre colores y música. El principal sello de su obra son los lienzos de composiciones geométricas abstractas, basadas en lineas paralelas, generalmente ubicadas en dirección vertical, cuya morfología permite apreciar de buena forma el panorama cromático que emplea en su trabajo, y que es articulado por las influencias musicales del artista, en un momento determinado.

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Su carrera comenzó muy temprano, como diseñador gráfico e ilustrador para la serie de televisión Los Simpson, para luego dedicarse profundamente al arte pictórico geométrico. Sus pinturas, realizadas mayoritariamente en la técnica del aerógrafo acrílico sobre tela, han sido inspiradas en piezas musicales, según el mismo artista. En 1998 desarrolló y vendió su primera pieza gráfica inspirada en la canción Driving Nowhere, del rockero británico Paul Weller, la cual estaba compuesta de líneas verticales de colores, muy similar a sus trabajos actuales.

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Más adelante, en 2002, definitivamente incorporó esta metodología de trabajo musico-cromático, mediante la realización de una composición visual inspirada en un solo de guitarra de Jimmy Hendrix, de la cual transcribió las notas musicales y las asoció a colores, realizando su obra denominada Voodoo Child (Slight Return). A partir de esta obra, Bavington comenzó a trabajar con una estructura de música y homologación cromática que emplea en muchos de sus trabajos.

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Desde el análisis de su perspectiva cromática, la obra de Bavington genera un puente entre la representación pictórica y la comunicación visual, de la mano de la semiótica cromática. Bavington asocia tiempos, silencios y sonidos a los determinados colores, cruzando las barreras de lo psicofisiológico, y otorgándole al color una dimensión que va más allá de lo visual. Este vínculo entre colores y música, generalmente sinestésico, tan trascendental en la obra de este artista, separa su trabajo de lo puramente visual, y refuerza las relaciones cromático-musicales de las que hablaran alguna vez Aristóteles, Kandinsky y lo acerca a una estructuración de la relación de la escala musical y los tonos cromáticos estudiados por Skriabin.

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Por otro lado, la abstracción de sus obras nos lleva a apreciar el color en su totalidad, y generar el vínculo con lo musical y con el arte abstracto por excelencia, llevándonos al estudio de Josef Albers y los talleres de color desarrollados en la Bauhaus. En sus clases, los alumnos de Albers a menudo se veían enfrentados a ejercicios de Estudios Libres cromáticos, los cuales debían extraerse de piezas musicales, sensaciones, temperaturas, entre otros. Pero la obra de Bavington también nos remonta, más adelante, hacia el pop art, por la asociación de sus lienzos con el código de barras y con el Technicolor, o la carta de ajuste, íconos de ese arte.

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Desde un enfoque más técnico, Bavington emplea constantemente la interacción del color, mediante la yuxtaposición de colores, que aparecen más de una vez dentro de un mismo lienzo y en diferentes proporciones o cantidades, es decir, con diferente presencia. De esta manera, los contraste más empleados por el artista son los de calidad y de cantidad. Un rol importante en sus obras lo emplea el tamaño o proporción de los diferentes lienzos que emplea, ya que estos acentúan las relaciones cromáticas y más aún, la relatividad del color.

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Tim Bavington ha expuesto sus trabajos en cuatro continentes, en países como Canadá, Inglaterra, Francia, E.E.U.U., Emiratos Árabes Unidos  y Corea del Sur, y ha protagonizado numerosas exhibiciones en el Museum of Modern Arts de Nueva York y el Museum of Contemporary Art de San Diego, entre otros. Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal.

David Gerstein

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 13:27 hrs. del Friday 08 de January de 2010

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David Gerstein es un pintor, escultor, dibujante y diseñador israelita con una vasta y muy prolífica carrera, que contempla pinturas, esculturas de metal, intervenciones en espacio público, collages, fotografías entre otros. Su trabajo busca ampliar los límites de las 2 dimensiones, realizando pinturas-esculturas tridimensionales. Las temáticas de su obra son bastastante cotidianas, van desde sueños íntimos a escenas de la vida diaria o del panorama noticioso actual, buscando romper la barrera entre el arte contemplativo y el público, acercándo de esta manera el arte a la gente.

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Gerstein incorpora el color como elemento clave dentro de su obra, su sintaxis es fácilmente reconocible. Valoriza los trazos de las figuras en sus composiciones mediante combinaciones de color que se perciben como atractivas, que escapan de esa cotidianeidad de las temáticas y generan un quiebre, un llamado de atención en la rutina de la vida urbana. De esta manera Gerstein busca generar un estilo propio que sea a la vez muy recordable.

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En un plano más técnico, el artista emplea distintos esquemas de contraste de color, generalmente diferenciándolos según el sustrato o material que está usando o interviniendo. Así, es posible encontrar recurrentemente el contraste de colores puros en sus piezas como intervenciones urbanas y esculturas de metal, las cuales además se presentan como arte pop, cercana en temática y colores a la obra cromática de Keith Haring. En este sustrato también es muy constante la estética del fauvismo la que aparece con sus colores y sensualidad.

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Las esculturas e intervenciones de Gerstein poseen, en algunos casos, el carácter decorativo extraído de la influencia de las obras de Matisse en el artista, con su técnica inventiva. Objetos y composiciones de buen corazon, que transmiten una cierta ironía y humor, desde su concepción para la sociedad israelí, hasta sus alcances a otros lugares del planeta, como lenguaje universal facilmente entendible por las diversas culturas que han tenido acceso a sus obras. La realidad como una carrera sin sentido es el tema de varias de sus obras, tales como: “Marathon” y “El Gran Maratón”.

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Pero en el caso de sus pinturas, sucede algo muy diferente a niveles cromáticos y formales. El contraste más recurrente es el de calidad o saturación, el cual emplea para destacar cromáticamente algunas áreas de las composiciones, generando una atmósfera pareja que se quiebra mediante la aparición de un color muy saturado. En ellas, la paleta cromática del pintor es más reducida y no tan extrovertida, y las escenas que retrata son generalmente de interiores, en su estilo muy particular, y con un carácter más íntimo.

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David Gerstein es un artista consagrado, tanto en su país como en aquellos a los que han llegado sus obras. Ha expuesto en países como Taiwan, Alemania, Australia, Italia, Brasil, Bélgica, Canadá, Japón, Corea, Luxemburgo, Marruecos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Suiza, Suecia, y E.E.U.U. entre otros. Además su trabajo forma parte del imaginario colectivo israelita, ya que sus obras han sido usadas en diarios, revistas y publicidad en ese país.

Puedes conocer más de sus obras en su sitio web personal o ver este video.

Proyectacolor en UST

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 12:23 hrs. del Tuesday 10 de November de 2009

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El viernes 6 de noviembre, recién pasado, Proyectacolor estuvo en el Instituto y la Universidad Santo Tomás, sede Concepción, en el encuentro “Diseñador Persona, Conciencia y Roles de Nuestra Profesión”, que contempló una jornada de workshops y charlas.

El encuentro contó con la participación de Felipe Cortez de Tremendoholding, Ingrid Calvo de Proyectacolor y con Jko Contreras y Nicolás Sagredo  de Navaja. La jornada se dividió en 3 workshops realizados en la mañana, para luego dar paso a las charlas, realizadas a partir de las 16 horas, en el auditorio de la Universidad Santo Tomás, sede Prat, ante una gran cantidad de asistentes, entre alumnos y profesores, de las diferentes instituciones que imparten carreras de Diseño en la ciudad de Concepción.

Workshop de Experimentación Cromática

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En esta oportunidad, Proyectacolor presentó un workshop de Experimentación Cromática, el cual consta principalmente de 2 partes, una introducción teórica, que representa un paseo desde la Gestalt a la Bauhaus, pasando por Josef Albers y otros exponentes del color, hasta llegar al arte cinético.

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Se enfatizó en la capacidad del color de actuar por sí solo como un elemento comunicativo, mediante un repaso de sus propiedades, y su naturaleza interactiva. También se reconoció a Josef Albers como uno de los mayores referentes en el estudio del color como material relativo, mediante la muestra de sus más importantes trabajos, y por sobretodo, sus estudios libres sobre color. Luego de la introducción teórica se dio paso a la segunda parte del workshop: el desafío del ejercicio práctico.

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El ejercicio práctico consistió en la realización del estudio libre, mediante la comparación de tonos cromáticos y su yuxtaposición en un soporte común, en búsqueda de una composición cromática atractiva, coherente, significativa y recordable.

Charla: “Proyectacolor: Proyecto de Título como aporte a la disciplina”

En la jornada de la tarde, Proyectacolor presentó la ponencia “Proyecto de Título como aporte a la disciplina”, la cual se abordó desde reconocer al color como un recurso importante en el ejercicio de la profesión del diseño. Para esto se enfatizó en el hecho de que, como cualquier otro recurso de la comunicación visual, el color también tiene su técnica y está sometido a ciertas leyes, cuyo manejo representa una herramienta muy poderosa para el diseñador.

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La ponencia potenció el reconocimiento de las 3 propiedades, comunes a todo color y en todo sustrato. Luego se avanzó hacia su especificación, ya sea como color luz o color pigmento, y los diferentes modelos de color actuales, y su ejemplificación en el trabajo real del diseño. Posteriormente se incitó a la obtención y creación de paletas cromáticas para diferentes ocasiones, y aplicables al trabajo del diseño, pero siempre considerando la dimensión comunicativa del color, es decir, su significado.

De manera de aunar todo lo anterior, al término de la ponencia, se presentó Proyectacolor, desde su concepción como Proyecto de Título, su posterior desarrollo y alcances al día de hoy, además de su contacto con las diferentes redes sociales como el grupo de Facebook y la cuenta de Twitter.

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